domenica 18 dicembre 2011

EL CUBISMO - PABLO PICASSO

El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza.
Picasso está en el origen de la creación del cubismo y es su representante pictórico más destacado. Pero también es su inventor teórico, junto con Georges Braque y Juan Gris. 

Juan Gris, Retrato de Picasso, 1912, óleo sobre lienzo, Instituto de Arte de Chicago

Sus planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad según las pautas que da la obra y se convierte en artista, en creador. La nueva estética se desliga completamente de la interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas. Esta descomposición no es casual, sino que está estudiada y calculada para permitir la recomposición mental de la figura.

Juan Gris, Guitarra y Mandolina, 1919, Galerie Beyeler, Basilea

El cubismo es un movimiento artístico que representa temas y objetos desde múltiples perspectivas, como son concebidos por la mente y no como son vistos, superponiendo temas y objetos, en un mismo espacio mediante trazados geométricos angulares y un uso limitado del color. Este es un movimiento artístico del primer cuarto del siglo XX que , con su descomposición de la figura y su renuncia a la perspectiva tradicional, revolucionó el mundo de la pintura.
Los cubistas creían que el arte no debe imitar a la naturaleza ni representar los objetos como los perciben los sentidos humanos, sino descompuestos en sus partes fundamentales, que superpuestas o yuxtapuestas ofrecen otras imágenes de los mismos.

Pablo Picasso, Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler,1910, Instituto de Arte de Chicago


El cubismo es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de Enstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.
Picasso se inició en la pintura como pintor modernista adscrito a la tradición realista. En la llamada Época Azul pinta melancólicas figuras envueltas en una atmósfera azulada, tonalidad que pronto sustituyó por la rosa. La época azul se puede considerar el primer período artístico netamente personal de Picasso. Esta monocromía se veía matizada por marrones, carmines, verdes o amarillos pero siempre subalternos del azul. A pesar de haberse iniciado en Francia, la época azul se desarrolló básicamente en Cataluña y una parte de la producción se encuentra en el Museu Picasso de Barcelona. Durante la época azul demuestra interés por temáticas sociales y de denuncia que esconden al mismo tiempo una profunda reflexión sobre la condición humana. 
Pablo Picasso, Pobres en las orillas del mar, 1903, Washington, National Gallery of Art

En la Época Rosa cambia totalmente la paleta de colores introduciendo el color rojo y el rosa. La época rosa se inicia el año 1904 y su inicio viene determinado por circunstancias personales. El tránsito del azul al rosa no es estricto sino que se produce de manera gradual y algunas de las obras presentarán elementos iconográficos y temáticos comunes. La denominación “rosa” implica básicamente una suavización de las tonalidades y un giro temático con la aparición de personajes relacionados con el mundo del circo. 

Pablo Picasso, La familia del saltimbanqui, 1905, Washington, National Gallery of Art


El cuadro Las señoritas de Aviñón (1907) marcó el comienzo del cubismo. El pintor se inspira en el geometrismo y en el arte negro para descomponer las figuras en esquemas geométricos y conseguir la sensación de profundidad mediante la superposición de planos. En esta obra Picasso rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volàumenes cuadrados y angulosos. El título se refiere a un burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Se percibe el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.

Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907, New York, Museum of Modern Art

Ocasionalmente recupera la tradición realista, cultiva la abstracción, el surrealismo y la pintura escultórica. Su tendencia natural a transformar la realidad adquiere un nuevo impulso bajo el signo del expresionismo, orientación que culminó en el Guernica (1937), alegato contra la tragedia bélica que se estaba desarrollando en España y en el que por medio de colores blancos, negros y grises consigue un intenso dramatismo.
El Guernica es el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica. Responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas. 

Pablo Picasso, Guernica, 1937, Madrid, Centro de Arte Reina Sofía

Con posterioridad a la Segunda Guerra Mundial recrea obras de pintores famosos como Velázquez – Las Meninas – y recupera la luminosidad mediterránea en cuadros de colores claros. 

Pablo Picasso, Las Meninas, Museu Picasso, Barcelona


ETAPAS DEL CUBISMO
En el cubismo se distinguen, tradicionalmente, varias etapas o estilos:

PROTOCUBISMO O CUBISMO CEZANIANO
Se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas puras. 
Georges Braque, Casas en el Estanque, 1908, Berna, Kunstmuseum
 
CUBISMO ANALITICO
El cubismo analítico se caracteriza por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. Su objeto es conocerlas, examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión. Es la auténtica estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje.
La pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Feron elaborando un nuevo lenguaje que analiza la ralidad y la descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la perspectiva renacentista.
A este período también se le llama de cubismo hermético, pues por la cantidad de puntos de vista representados, algunas obras parecen casi abstractas. El color no ayudaba, al ser prácticamente monocromo y muchas veces convencionales, no relacionados con el auténtico color del objeto.
La imagen representada era ilegible, casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que está representado.

Pablo Picasso, Retrato de Ambroise Vollard, 1910, Moscú, Museo Puskin

CUBISMO SINTETICO
El cubismo sintético se caracteriza por potenciar las partes más significativas de la figura, reduciéndola a sus formas geométricas más puras. No es un cubismo simplificador, pero sí de más fácil lectura. Está altamente estructurado y se potencian las partes más significativas, o que se quiere resaltar.
Braque fue quien inició esta última fase del cubismo al ralizar papier collés, pegando directamente papeles decorados en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a incorporar material gráfico como páginas de diario y papeles pintados, técnica que se conoce como collage.
En 1912 Picasso realizó su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), en el que añade al lienzo pasta de papel y hule. El color es más rico que en la fase anterior. Estas obras sintéticas son más simples, más sencillas de entender en cuanto a que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los objetos se reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca.
Los cuadros están formados por diversos materiales cotidianos que se pegaban o clavaban a la tela, como tiras de papel de tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas. El cuadro se construye con elementos diversos, tradicionales como la pintura al óleo o nuevos como el papel de periódico. 

Pablo Picasso, Naturaleza Muerta con silla de paja, 1912, París, Musée Picasso





Bibliografía
“Historia del Arte” de España e Hispanoamérica, Sebastián Quesada Marco, Edelsa, Grupo Didascalía, S.A.
http://www20.gencat.cat/portal/site/culturacatalana/menuitem

sabato 10 dicembre 2011

ANTONÍ GAUDÍ

Antoní Gaudí, Casa Batlló

Cuando a los 26 años Antoní Gaudí (1852-1926) obtuvo el título de arquitecto, el director de la escuela comentó “hemos atribuido el diploma a un loco o aun genio, sólo el tiempo nos dará la respuesta”. Gaudí se convertirá en la máxima personalidad del modernismo arquitectónico español.

Antoní Gaudí, Casa Milà

Gaudí se inspira en la naturaleza, motivo por el que no utiliza nunca los ángulos rectos, ya que no existen en ella, y de ella dedujo las fascinantes formas de sus creaciones entre abstractas y naturalistas, “estableciendo así un nuevo lenguaje espacial y lírico que hoy sigue siendo revolucionario” (Norman Foster). Se inspiró también en los estilos mozárabe y mudéjar, en el gótico catalán y en el barroco, extrajo todas las posibilidades estéticas y constructivas de materiales como la cerámica esmaltada, la piedra y el ladrillo, y aportó innovaciones técnicas como las vigas de hormigón de armaduras curvas. Su decoración y sus colores se inspiran también en la naturaleza.

Antoní Gaudí, Finca Güell

Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras, prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. 

Antoní Gaudí, Casa Batlló, maqueta
Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc.

Antoní Gaudí, Casa Milà

Así mismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho. 

Antoní Gaudí, Parque Güell, Trencadís

Gaudí fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas. 

Antoní Gaudí, Casa Milà

La Barcelona de la segunda mitad del siglo XIX era una ciudad en expansión, a causa de su floreciente industria y de su dinámica burguesia empresarial, protectora de las artes y las letras y de los artistas dotados de genio como Gaudí, que tuvo en Eusebio Güell un gran mecenas y su mejor cliente. Este empresario textil le encargó urbanizar una finca de su propiedad en el término de Gracia (Barcelona).
Gaudí concibió una ciudad jardín para recreo de los habitantes de las sesenta casas que esperaba construir en el lugar. Se propuso transformar una extensa finca en el norte de Barcelona, rocosa y llena de desniveles, en una zona residencial. Aplicó en esta nueva obra su concepción del espacio y su sentido de la ornamentación. Grandes construcciones del parque son la Gran Escalinata que comunica la entrada con el Templo Dórico, conjunto de 84 columnas que sirven de soporte al Teatro Griego, y la llamada Portería, edificio de servicios en una entrada lateral. Las construcciones son de piedra y hay extensas superficies revestidas de trozos de azulejos de la más diversa procedencia. Aunque la primera guerra mundial hizo fracasar esta operación inmobiliaria, lo que quedó del proyecto nos dá a conocer al Gaudí urbanista, defensor de la naturaleza, creador de escenarios bucólicos y experimentador de nuevas técnicas constructivas, inspirándose en la cultura popular.
El Parque Güell se terminó en 1914, desde 1922 es Parque Público Municipal, en 1969 fue declarado Monumento Histórico-Artístico Nacional y, en 1984, la UNESCO lo añadió a la lista de monumentos Patrimonio de la Humanidad.


Antoní Gaudí, Parque Güell

El genio de Gaudí transformó una casa entre medianeras, típica de Ensanche barcelonés del siglo XIX, en uno de los edificios más singulares de la arquitectura de Barcelona: la Casa Batlló (1904-1906).
Gaudí llevó a cabo una reforma integral. En la fachada añadió una tribuna, nuevos balcones y cerámica policromada. En el interior, reorganizó los espacios, unificando la escalera y el patio ya existentes para conseguir más iluminación y ventilación. Completó su intervención añadiendo dos plantas, que remató mediante un espectacular coronamiento cerámico.

Antoní Gaudí, Casa Batlló

Gaudí fue el arquitecto escogido por el señor Pere Milà par construir una casa, La Pedrera o Casa Milà, espectacular en la avenida más cosmopolita de la Barcelona de la época: el paseo de Gracia. Construyó dos fincas con accesos independientes, aunque unificadas por una misma fachada y ritmos ondulantes, que dispone de unos grandes ventanales que permiten una buena iluminación interior.
Una sorprendente estructura en el sótano, que se utilizó de garaje, una distribución en planta libre en pisos destinados a las viviendas y un peculiar desván que soporta la azotea son sus elementos más significativos.

Antoní Gaudí, Casa Milà


Antoní Gaudí, Casa Milà, detalle de la fachada


El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (1883-1926) es el símbolo de la ciudad, el edificio más visitado de Barcelona. En 1883, el arquitecto aceptó continuar un proyecto de planteamiento neogótico ya empezado, pero lo rehizo totalmente, con vocación monumental y una decoración exhuberante, y trabajó en él hasta su muerte en 1926. Gaudí aplicó de modo original formas de geometría reglada. Paraboloides hiperbólicos, vueltas convexas, helicoides e hiperboloides son sólo una breve referencia de la complejidad de toda la estructura, que recoge la esencia de los conocimientos y la experiencia constructiva de Gaudí. 

Antoní Gaudí, Sagrada Familia


 







http://www.sagradafamilia.cat/sf-cast/docs_instit/vvirtualAbsis.php

domenica 4 dicembre 2011

ART NOUVEAU - EL MODERNISMO - LA ARQUITECTURA de ANTONÍ GAUDÍ

ART NOUVEAU

H.Guimard, Entrada de una estación de metro de París, 1900



A fines del siglo XIX, para ser más precisos en el último decenio, se desarrolló en Europa una tendencia modernista que se expresó en todas las manifestaciones de las artes aplicadas.. Muchas fueron las influencias que contribuyeron a su nacimiento, desde el Neogótico hasta el Exotismo y desde el Historicismo hasta el Simbolismo, pero se considera relevante el Arts and Crafts Movement, de William Morris, que desarrolló una personalidad claramente precursora.

William Morris, Tapicería Strawberry, 1883, Londres, Victoria and Albert Museum


La denominación que literalmente significa “arte nuevo” se utiliza para designar un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el arte y diseño europeos pero particularmente en las artes decorativas, como reacción contra la industrialización y la tecnología dominantes durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX. En España se denominó modernismo, en Alemania Judendstil, en Austria Sezessionstil y en Bélgica Estilo Horta. En Italia se conoció come Stile Liberty, en referencia a la tienda de Arthur Liberty, que había sido decisiva en la difusión del estilo por el continente europeo. Aunque este movimiento recibió en cada país un nombre diferente, históricamente se lo designa con el nombre que lo identificó en Francia: Art Nouveau, tomado de una tienda de muebles abierta en París en 1890.

Victor Horta, Casa Tassel, Bruselas, 1893


Un cambio violento acontece teniendo como base nuevas teorías y enfoques estéticos: lo mítico, la fascinación por lo fantástico, una fuerte influencia de civilizaciones orientales, la creciente atracción por elementos decorativos y la simetría como principio de composición ligada a la ornamentación naturalista, la exaltación de la línea siempre en movimiento que se transforma de débil motivo decorativo en vigoroso elemento estructural.
La decoración, casi siempre inspirada en motivos floreales y animales no se utiliza como simple adorno sino que se convierte en un medio para definir la forma que es siempre viva, armónica y dinámica.

Louis Comfort Tiffany, Vista de la Oyster Bay, 1905, New York, Metropolitan Museum of Art


EL MODERNISMO

El Modernismo fue una nueva forma de interpretación del mundo y de la realidad. Los artistas modernistas rechazaron lo feo y vulgar, buscaron constantemente la belleza ideal y opusieron el sentido poético a la crudeza del realismo y el arte puro al comprometido. Se desarrolló entre finales del siglo XIX y comienzos del XX y dio origen a las vanguardias de entreguerras. En España fue sobre todo el lenguaje utilizado por la burguesía catalana para llevar a cabo la modernización del arte autóctono.
La pintura modernista es de gran refinamiento, sensual, cálida, de líneas sinuosas y alargadas figuras. Santiago Rusiñol fue pionero del movimiento, a cuya difusión contribuyó con la fundación de la cervecería Els Quatre Gats, lugar de reunión de la bohemia barcelonesa. Adquirió merecida fama como pintor impresionista de jardines: Jardín de Aranjuez.


LA ARQUITECTURA MODERNISTA
GAUDÍ

La arquitectura modernista renovó los estilos históricos mediante el empleo de nuevas técnicas y de nuevos materiales de construcción como el hierro y el cristal. Se inspiró en la naturaleza para crear formas decorativas abstractas que recuerdan el movimiento del agua y de las llamas.


Antoní Gaudí, Sagrada Familia, 1883, detalle de una boveda


Los modernistas impulsaron el diseño y transformaron en obras de arte objetos industriales y manufacturados de uso habitual tan variados como muebles, marcos de espejo, empuñaduras, encuadernaciones, cuberterías, relojes, etc.
Antoni Gaudí rescató la arquitectura de la mediocridad en que la había sumido el historicismo romántico. Su obra, la mayor parte realizada en Barcelona, integra arquitectura, escultura realista, mobiliario de diseño y decoración de hierro forjado y collages de trozos de cerámica de distintos colores. Combina corrientes y tendencias de diverso signo y es, al mismo tiempo, laica y religiosa, barroca y neogótica, intuitiva y científica.


Parque Güell, 1900-14, detalle de los asientos con ritmo ondulado


Entre sus creaciones más relevantes, el Palacio Güell presenta elementos neogóticos y neomudéjares y formas abstractas de inspiración naturalista y geométrica; el Parque Güell resume su concepción de la arquitectura como arte integrador.

Parque Güell, 1900-14, detalle de la entrada



La Casa Milá, también llamada La Pedrera, es elocuente ejemplo de su expresionismo decorativo. El atrevimiento formal, la dimensión escenográfica, la ornamentación simbólica, las topografías insólitas que se manifiestan en el conjunto y detalles son los aspectos más conocidos y admirados de Gaudí, se complementan con el rigor geométrico y la minuciosa atención a las necesidades funcionales y estructurales.

Antoní Gaudí, Casa Milá, 1906-10, fachada


Antoní Gaudí, Casa Milá, 1906-10, Vista de las chimeneas y del techo




En su inacabado Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, su obra más singular, destaca la grandiosa fachada del Nacimiento, con tres portadas en forma de arcos apuntados y cuatro torres cilíndrricas, de diámetro decreciente a medida que se elevan, caladas y coronadas por palmetas. La decoración combina formas geológicas y escultóricas. La representación del Nacimiento de Cristo, en el tímpano, constituye una escenografía similar a la de un pórtico medieval.

Antoní Gaudí,  Sagrada Familia, 1883, Vista de la Fachada del Nacimiento


Antoní Gaudí,  Sagrada Familia, 1883, Detalle de los Pináculos de la Fachada del Nacimiento







http://w3.bcn.cat/turisme/0,4022,495525130_543997035_2,00.html
http://www.lapedreraeducacio.org/cast/index.htm

"Avanguardie Russe" a Palermo

Mostra

L'esposizione, visitabile fino al 20 marzo 2012, è promossa dall'assessorato regionale dei Beni Culturali e dell'Identità Siciliana con il sostegno dell'Unione Europea ed è curata da Victoria Zubravskaya e Giulia Davì. Sono 24 gli artisti in mostra tra i quali Kazimir Malevic, Vladimir Tatlin, Vasilij Kandinskij, Aristarkh Lentulov, Marc Chagall e Robert Falk, Aleksandr Rodcenko. Significativa anche la presenza delle donne con i dipinti di Natal'ja Goncarova, Olga Rozanova, Ljubov Popova, Nadežda Udaltsova e Aleksandra Ekster. Gli orari: da lunedì a sabato dalle 9 alle 13 e dalle 15 alle 19, domenica e festivi chiuso



domenica 27 novembre 2011

Francisco de Goya y Lucientes

FRANCISCO DE GOYA

Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) representa, junto con Velázquez y Picasso, la cumbre del arte pictórico español. Goya es pintor del color y de la pincelada suelta, casi impresionista. Fue un artista polifacético que se interesó por la pintura y el dibujo y por las técnicas que permitían una difusión generalizada de sus trabajos, como era el grabado sobre plancha de metal o sobre piedra. Cultivó el óleo, el fresco, el grabado, el aguafuerte y la litografía. Su vanguardismo marcó el camino a las innovaciones del siglo XIX.

Las Pinturas Negras, Saturno, Museo del Prado


Goya inicia su carrera artística a los catorce años (1760), cuando ingresa en el taller del pintor zaragozano José Luzán. Allí aprende los rudimentos de la pintura y del dibujo, copiando estampas y temas devocionales.
Mientras intenta, con escasa fortuna, ganar una beca de estudios en Madrid, Goya ejecuta encargos de tema religioso para los jesuitas y algunos nobles aragoneses. Sus protectores eclesiásticos facilitaron su viaje a Italia, en torno a 1771, durante el que ejecutó ejercicios de aire clasicista y tema mitológico o convencional.
A su regreso de Italia, Goya emprende interesantes conjuntos de asunto religioso. Estas obras y el apoyo de su maestro Francisco Bayeu, con cuya hermana se casa en 1773, le abren las puertas de la Corte en Madrid. De 1775 a 1792 pintó los sesenta y tres “cartones” (modelos pintados para confección de tapices) de asunto costumbrista y colorido rococó de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara con destino a los palacios reales de El Escorial y El Prado . Su fama de excelente retratista se extendió por la corte y en 1776 fue nombrado pintor del Rey. Pintó entonces cartones y cuadros de pincelada suelta y temas amables, como La gallina ciega. En la Corte conoce la obra de Velázquez, a quien estudia en detalle copiando sus obras al óleo y en una magnífica serie de grabados.

La gallina ciega, Museo del Prado


En 1780 Goya ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con un Cristo en la Cruz. Gracias a su cuñado, se le encarga pintar una cúpula en la Basílica del Pilar, honor reservado a los grandes pintores de la época. En esta obra, fuertemente discutida durante su ejecución por Bayeu y los promotores, Goya rompe con las convenciones del neoclasicismo y consolida su original visión de la pintura.
En la última década del siglo, Goya acusa el enrarecimiento del clima sociopolítico. La sordera transformó su carácter, el artista dio rienda suelta a la expresión de su mundo interior y sustituyó el tono amable de su pintura anterior por un universo dramático y sombrío. Estas experiencias maduran sus dotes investigadoras y extreman sus posiciones críticas. De esa época proceden los retratos de personajes llenos de vida, intensamente realistas: La familia de Carlos IV (M. del Prado).

La familia de Carlos IV,   Museo del Prado


Goya realizó espléndidos retratos de personajes femeninos: La Maja desnuda y la Maja vestida (M. del Prado). 
Maja desnuda, Museo del Prado

 

Maja vestida, Museo del Prado

 

En 1789 fue nombrado pintor de cámara y publicó la colección de aguafuertes titulada los Caprichos, inteligente crítica social. Oscurantismo, supersticiones, prostitución, infidelidad y otros vicios fueron objeto de sus críticas. Los Caprichos significaron una ruptura radical con el academicismo y la artificiosidad de la pintura neoclásica.

Los Caprichos, El sueño de la razón produce monstruos, Museo del Prado


La evolución del artista hacia el pesimismo crítico se manifesta en las oscuras tonalidades de cuadros como Los disciplinantes (Academia de San Fernando) y sobre todo en sus pinturas sobre la Guerra de la Independencia: Los fusilamientos de la Moncloa, La carga de los mamelucos (M.del Prado), de elaboradas composiciones y personajes de intensa expresividad. La guerra le inspiró también la serie de grabados titulada Los desastres de la guerra.

Los fusilamientos de la Moncloa, Museo del Prado


En las Pinturas Negras, realizadas sobre las paredes de la Quinta del Sordo, su residencia madrileña, creó mundos tenebrosos, visiones apocalípticas, seres monstruosos, extraños, deformes y siniestros, situados en paisajes inquietantes. Goya extrema su esquematismo e inmediatez en torno a temas alucinados. Las Pinturas Negras son un precedente del expresionismo de finales del siglo XIX y comienzos del XX. 


La Romería de San Isidro, Museo del Prado


La serie de grabados La Tauromaquia, constituye una crónica sobre el violento mundo de los toros. Su atracción por lo onírico se manifiesta en la serie de los Disparates, de temática relacionada con la de las Pinturas Negras.
Goya abandonó la opresiva corte de Fernando VII y se refugió en la ciudad francesa de Burdeos. En esa ciudad, donde moriría en 1828, pintó La lechera de Burdeos, cuadro de suaves tonalidades y pinceladas cortas y sueltas, precursoras del impresionismo.

La lechera de Burdeos, Museo del Prado

Goya no sólo destaca por su dominio de las técnicas pictóricas disponibles en su momento, sino por la variedad de géneros y temas que exploró. Alcanzó la excelencia en la pintura religiosa, el retrato, la sátira social y política y la captación decorativa de escenas de la vida cotidiana, e investigó temas tan diversos como la brujería, el reportaje de actualidad o los efectos de la guerra.
Goya, sin perjuicio de su genialidad, desarrolló su estilo a partir de fuentes bien identificadas, que inspiraron tanto su manera de pintar como los temas que abordó. El estudio de su etapa aragonesa es imprescindible para comprender el origen y evolución de su obra. Inversamente, su influencia en la historia de la pintura y el grabado ha sido enorme, a pesar de que tuvo escasos discípulos directos.




“Historia del Arte” de España e Hispanoamérica. Edelsa, Grupo Didascalía.

http://goya.unizar.es/InfoGoya/Obra/Pintura.html
http://goya.unizar.es/InfoGoya/Obra/Obra.html